Author: Carlos Navedo

  • FILOMENA MARTURANO, carta de triunfo

    FILOMENA MARTURANO, carta de triunfo

    DESDE MI LUNETA por Carlos Navedo

    Cuando Robert Weber Federico, decidió a estrenar “Filomena Marturano”, en su Gramercy Arts Theater, sabía que tenía una carta de triunfo entre sus manos. Pero faltaba algo muy importante, los derechos de la pieza del italiano Eduardo De Filippo, que poseía la fundación romana. Al fin llegaron, y se hizo realidad el sueño de Federico: el estrenar en Repertorio Español este clásico del teatro y el cine.
    El compaginar los muchos elementos, que contenía este monumental texto resultaba algo difícil, pero los obstáculos si hubo algunos fueron superados para llegar a la producción que hoy se presenta en el escenario de Repertorio.

    La adaptación y traducción de Leyma López, Rafael Sánchez y Robert Weber Federico son magistrales y difíciles de ser superadas, combinando un diseño de producción de primera línea, al unísono con luces y sonido.
    La historia es conocida de muchos, aunque algunos ignoran que antes que Sophia Loren y Marcello Mastroianni, imprimieran sus actuaciones en el filme de Vittorio De Sica, “Matrimonio a la italiana”, (1964), ya una actriz argentina había hecho una versión cinematográfica en 1950, de título “Filomena Marturano”, y la cual hizo su sello de presentación en la escena bonaerense durante muchos años: Tita Merello. También el propio De Filippo, un año más tarde hizo su versión de cine con su hermana Titina De Filippo, para quien había sido escrita la pieza. Muchas actrices encarnaron este personaje en su natal Italia, y en otras latitudes: Concha Velasco, Bettina Blum, China Zorrilla, Velia Martínez y las británicas Joan Plowright y Judi Dench. Broadway no podría ser menos y en 1956 en Lyceum Theatre la presentó bajo el título “The Best House in Naples” o “Filumena”, con la actriz mexicana Katy Jurado.

    LA HISTORIA

    Próxima a morirse, Filomena desea casarse con el hombre que quiso toda su vida, Domingo Soriano en articulo mortis. Viudo y con una relación de 25 años, en ese tiempo nacen 3 hijos de los cuales solo uno es hijo de Domingo. Al ser embaucado por Rosalía, un sacerdote y la propia Filomena, él descubre la verdad y se da cuenta de que todo resultó ser una farsa y ahí da comienzo la trama de esta monumental comedia. Todo va sucediendo a pasos lentos pero muy precisos y donde Domingo Soriano al saber de los tres hijos desea desvelar cúal de ellos es el suyo.
    “La familia no se vende”, es el sello de presentación de Filomena Marturano a lo largo de la representación y donde ella muestra en todo momento la dureza de una mujer que batalla por ser reconocida casi toda una vida.
    Entre ambos caracteres existe una relación amor-odio de mucha intensidad e interesante. Y en un momento crucial de la obra ella le dice: “Sabes Domingo, llora quien conoció la felicidad, la perdió y no la puede alcanzar. Cuando se conoce solamente la desgracia, no se llora. Por eso nunca lloro”.

    EL ELENCO Y LA DIRECCIÓN

    Zulema Clares, puntal indispensable de Repertorio, en una actriz en la plenitud de sus facultades interpretativas, la fuerza que aporta al personaje de De Filippo es muestra de un gran quehacer teatral, por la intensidad que aporta a sus líneas y el aplomo y seguridad de movimientos. ¡Perfecta!.
    Sandor Juan, a quien habíamos visto en varias ocasiones en relevantes papeles, aquí aporta y presenta a un Domingo Soriano, arrogante y lleno de petulancia aportando el contrapeso preciso y requerido al personaje titular. Su interpretación es descomunal y tampoco tiene descanso, porque en todo instante suceden situaciones nuevas.

    Amneris Morales, a quien recientemente admiramos en “Las lágrimas se secan solas”, vuelve otra vez a trinfar con el personaje de Rosalía, el cual bordo admirablemente. Morales, es una actriz a cuerpo completo, que siempre se nos muestra de forma plácida y convincente por el intimismo que aporta a todos sus trabajos. Una verdadera primera actriz, con una creatividad insospechable.
    Mario Mattei, Sandra Gummuzio, y Krystal Pou, aportan grandes dosis de gracia a sus actuaciones que contribuyen al buen resultado de la puesta.
    Mario Peguero, genial y versátil como el cura, el mesero, el abogado y el costurero. Camaleónico tanto en la variedad de acentos como en lo visual de sus caracteres. Y unas especiales líneas a Gilberto Gabriel Díaz Flores, César Augusto Cova y Bryan Cortés, 3 jóvenes actores que continúan sus incursiones teatrales en ascenso logrando habernos aguado los ojos en su escena donde dicen “Si papá”.
    Un aparte para esa teatrera llamada Leyma López, que en tan corto espacio de tiempo entre nosotros se ha situado en un lugar de privilegio en nuestro teatro, logrando con “Filomena Marturano, un matrimonio a la caribeña”, todo los que esperamos ver como audiencia al asistir a una representación: BUEN TEATRO.

  • “En el nombre de Salomé”, en Repertorio Español

    “En el nombre de Salomé”, en Repertorio Español

    Por Carlos Navedo

    De Marco Antonio Rodríguez. Con Zulema Clares, Dalia Davi, Darlenis Durán, Diana Pou, Johary Ramos, Maité Bonilla, Jesús E. Martínez, Jerry Nelson Soto, Francis Mateo, Fermín Suárez y Hannia Guillén. Escenografía, Raúl Abrego. Luces, María Cristina Fusté. Sonido, Jane Shaw. Vestuario y gerente de producción, Fernando Then. Dirección, José Zayas.

    Los testimonios históricos pueden o no dar los resultados deseados por su autor. Pero en este caso en particular, “En el nombre de Salomé”, es un acierto total la pieza de Marco Antonio Rodríguez. Esta sublime historia de la poetisa y educadora dominicana Salomé Ureña de Henríquez, figura central de la poesía lirica del siglo XIX en su país, y cuyos fervientes poemas nacionalistas la convirtieron en ícono de su tiempo por la intensa represión política reinante en su tierra, y es un planteamiento de lucha contra las injusticias reinantes en nuestros países. El autor entrelaza la historia con la vida de su hija Camila Henríquez Ureña otra figura cimera de las letras, la educación y el humanismo. La historia de Rodríguez, basada en la novela del mismo título de Julia Álvarez, está combinada de forma muy inteligente y comprensible a pesar que su trama se desarrolla en un periodo de tiempo que abarca desde 1867 hasta 1973.

    Dalia Davi y Fermín Suárez.

    Marco Antonio Rodríguez , a quien le hemos admirado anteriormente con “La luz de un cigarrillo” y “Barceló con hielo”, es un escritor a cuerpo completo y donde la profundidad y realismo de dramaturgia le convierten en uno de los más completos escritores que poseemos en la actualidad.

    Esta producción estrenada en Repertorio Español, consigue reunir una serie de profesionales que demuestran que nuestro escena está copada por excelentes artistas y la combinación de Rodríguez con José Zayas, hacen de esta puesta un hecho monumental. Zayas de amplia experiencia teatral y ya un veterano y regular de “Repertorio…”, logra una dirección impecable y de altos vuelos. También el equipo técnico es un baluarte indispensable de la puesta, donde destaca el impresionante diseño de luces de María Cristina Fusté, la efectiva escenografía de Raúl Abrego y el exquisito, elegante y preciso vestuario de Fernando Then.

    El texto que rinde un honesto y profundo homenaje a estas dos heroínas de las letras, no podría haber contado con un elenco más capacitado y que dio lo mejor de sí en cada parlamento que le todo representar, captando la esencia y profundidad de cada personaje en cuestión.

    Zulema Clares, esa primerísima actríz , alguien que nos pertenece por completo, muestra su versatilidad actoral así como sus inmensas facultades de figura de relevancia de Repertorio Español.

    Dalia Davi, también es otra prominente actriz de nuestra escena, quien cuenta con innumerables registros actorales, y poseedora de niveles insuperables y quien proyecta de forma impecable una Salomé de gran brio.

    Maité Bonilla, irrepetible con una Ramona, que logra estar al nivel de sus compañeras de reparto, una sorpresa mayúscula ; y no podemos ni debemos pasar por alto la faena de Hannia Guillén, tan hermosa como siempre, quien logra con su Tivisita, un soliloquio notable en su tete a tete frente a la Clares.

    Darlenis Durán como Marion muy efectiva; mientras que Diana Pou en su papel de Natalia es todo delicia y naturalidad.

    El cuadro masculino no podría se más encomiable, Fermín Suárez, quien siempre nos tiene acostumbrados a buenos trabajos, aquí por igual resulta preciso y muy propio como cómo Nicolás; Jerry Soto, sorprendente como Pancho, diferente e irreconocible con esta caracterización de primer orden, un giro de 360 grados a todo lo que le hemos visto hasta la fecha, un característico de grandes recursos.

    Johary Ramos, en su breve interpretación de Eugenio María de Hostos, muy acertado y seguro, al igual que Jesús Martínez y Francis Mateo en sus respectivos papeles como Silvestre y Pedro.

    “En el nombre de Salomé”, es una pieza de gran contenido literario e histórico, una ficha técnica relevante, una dirección precisa y un reparto de once actores que se baten de cómo crear trabajos insuperables.

    Una recomendación a todo aquel que desee deleitarse con la perfección teatral, ir a disfrutar “En el nombre de Salomé”, donde Marco Antonio Rodríguez se luce nuevamente con un texto de gran contenido.

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  • “Las Criadas” de Genet en el Foro Cultural Chapultepec

    “Las Criadas” de Genet en el Foro Cultural Chapultepec

    DESDE MI LUNETA

    “Las Criadas” de Genet en el Foro Cultural Chapultepec

    De Jean Genet. Con Alex Sirvent (Clara), Mauricio Islas (Soledad) y Alejandro Camacho (La señora). Escenografía, David Antón. Música, Max Jones. Vestuario, Cristina Sauza. Luces, José Bracho. Maquillaje, Julio Arroyo. Peluquería, Hans Derek. Productor, Rubén Lara. Coordinación de producción, Pepe Olivares. Asistentes de dirección, Gonzalo Quevedo y Mitzi Elizondo. Director, Salvador Garcini. 

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    Mauricio Islas y Alex Sirvent en una escena de la pieza de Jean Genet.

    Jean Genet, nacido en París en 1910 y fallecido en la misma ciudad 76 años más tarde, fue un novelista, dramaturgo y poeta que destacó por la profunda rebeldía que manifestaba en el contenido de sus textos contra la sociedad de sus tiempos y sus costumbres. Su madre una joven prostituta lo entregó a la asistencia pública, viviendo en diferentes hogares hasta que a los diez años hizo sus primeros robos en casa de una familia adoptiva. Durante su periodo escolar fue alumno aventajado, pero en esos años es cuando se convierte en un verdadero ladrón, pasando su adolescencia en prisiones juveniles finalizando con su prostitución.

    Genet, siempre se considero un “marginado”, cosa que tal vez el exageró para encajar en ese apartado social. Pero la vida le juega una buena pasada y escribe en prisión en 1942 “El condenado a muerte” y dos años más tarde “Santa María de las flores”, pero todas las fechorías por delitos que pesaban fuertemente sobre él le hacían candidato a la cadena perpetua, pero tres nombres de la vida artística e intelectual francesa son quienes piden directamente al presidente de la república su indulto y es concedido: Jean-Paul Sartre, Jean Cocteau y Pablo Picasso. Su condena es revocada finalmente en 1948 y Genet nunca volvería a ser condenado.

    No es hasta un año antes de su indulto es que aparecen “Las criadas”, texto de una calidad extraordinaria y vehículo indispensable para cualquier actor de posibilidades. Esta obra fue escrita para ser interpretada tanto por actrices como por actores, aunque su autor siempre prefirió la actuación de efebos. “Las criadas”, es uno de los textos dramáticos clave del siglo pasado, desarrollada en el periodo de entreguerras donde los oprimidos y opresores, dominados y dominadores están claramente identificados con sus propias clases.

    Siempre hemos disfrutado de esta obra de Genet, y en nuestra vida la hemos disfutado en dos ocasiones: la primera en 1969, en Madrid, una vanguardista escenificación montada por el genio argentino de Victor García, con un elenco de primera: Nuria Espert, Julieta Serrano y Mayrata O’Wisiedo; y la segunda 1974, con otro genio de la dirección el griego Dimitris Sarrás y tres impresionantes actrices: Susana Alexander, Mercedes Pascual y Adriana Roel.

  • Puesta y elenco en “La tía Julia y el escribidor”

    Puesta y elenco en “La tía Julia y el escribidor”

    Mario Vargas Llosa, escritor prolífico y conocido en las cuatro esquinas del planeta, ganador de innumerables premios literarios, nos trae al escenario de Repertorio Español, gracias a la dramaturgia de Caridad Svich. “La tía Julia y el escribidor”, novela semi-autobiográfica del escritor peruano, publicada por primera vez en Lima en 1977.

    La novela narra la historia de un adolescente, Mario (Pablo Andrade), que sueña con ser escritor y trabaja en una emisora radial donde conoce a Pedro Camacho (Luis Carlos de la Lombana), un excéntrico libretista boliviano de radionovelas. Marito como es llamado por la familia y en la pieza, se enamora de su tía política (Dalia Davi) Julia Urquidi, quien es divorciada y 14 años mayor que él, por lo que se enfrenta a la oposición de su propia familia hasta lograr casarse con ella.

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    Pablo Andrade y Dalia Davi en una de las escenas.

    Precisa y perfectamente situada en época y espacio en que la trama tiene lugar, “La tía Julia y el escribidor” es un deleite en la que la Svich, traslada la trama novelesca a la escena con extrema exactitud, tomando algunas licencias y obteniendo así un magistral ejercicio teatral de mucha brillantez. El elenco vive su historia casi como en carne propia con cabalidad y gran dominio escénico. El calibre de este elenco de primera le emana por los poros la profesión, de forma sublime. Dalia Davi, como Julia nos cautivó de principio a fin, por su dominio de movimientos, buen decir, aplomo e imagen.

    Zulema Clares, como siempre nos tiene acostumbrados muy bien, un trabajo redondo de una primerísima actriz , una intérprete de altura en su papel Olga, la otra tía del escribidor.

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  • ‘Genios: Lorca y Dalí’, Una poética y delicada producción

    ‘Genios: Lorca y Dalí’, Una poética y delicada producción

    De Julie De Grandy. Con George Riverón y César Cova. Asistente de dirección, Sebastian Stimman. Asistentes de poducción, Jaime López y Thiago Jiménez. Vestuario, Teatro del aire. Luces, escenografía, musicalización, dirección y puesta en escena, George Riverón. Estrenada dentro del marco del V Festival de Teatro Hispano del Comisionado Dominicano de Cultura, el viernes 19 de junio del 2015.

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    De la pluma de la destacada actriz y escritora Julie De Grandy, descendiente de una estirpe de probado talento teatral, nos llega la poética y delicada producción de Teatro del Aire: “GENIOS: Lorca y Dalí”. Si el pasado año en el mismo espacio que ocupa el Teatro Rafael Villalona, Julie nos ofreció su jocosa comedia “¿Donde metemos al muerto?”, pieza de mucha calidad, en esta ocasión nos ofrece un tema un tanto delicado y algo difícil de presentar en escena: el amor sufrido e imposible entre dos genios de las artes españolas – la literatura y la pintura – Federico García Lorca y Salvador Dalí.

    Esta relación lastimosa a lo largo de sus vidas y de toda la representación, nos conduce a un amor sin límites que profesa Federico a Salvador, y la frialdad casi polar e indiferente por parte de este último. De todos aquellos que conocemos el tema de forma alguna, es sabido el coqueteo siempre existido que el pintor de Cadaqués mostró hacia el autor granadino. Los protagonistas de esta leyenda dramática, a quienes vemos construir egregiamente su destino y con gran penetración de las cosas esenciales de su relación, está despojada de incidentes que puedan afectar la belleza y el buen gusto de su tratamiento, donde sin ofender a una audiencia por el arriesgado contenido del texto, este acabaría tomando partido a favor o en contra, ya que el amor puro en los tiempos que vivimos puede aplicarse bajo cualquier circunstancia.

    En la pieza de De Grandy, el tiempo no se ha detenido y nos presenta las vivencias y todas la posibilidades de un hecho real o tal vez no probado y el cual debe ser analizado en nuestros más liberales conceptos, sobre el comportamiento humano. “GENIOS: Lorca y Dalí”, con una lógica muy fina a todo lo largo de la representación corrobora la belleza de un amor de dolor e imposible, siendo este un magistral regreso al ayer por medio del presente.

    Con un eje central basado en un buen texto y la estética visual de la dirección, “Lorca y Dalí”, se funde completamente junto al trabajo actoral en una historia de amor y muerte de gran altura. Pieza de grandes valores literarios, que vista desde cualquier ángulo que se le mire resulta como una nueva propuesta en la escena con un mucho ritmo y precisión. Quisimos guardar para el final los trabajos de George Riverón y César Cova, quienes muestran sus dotes de grandes intérpretes, logrando ambos labores de alto sentido dramático. Además, no dudaríamos al evaluar la dirección del señor Riverón, como un trabajo depurado, de buen gusto para todos los gustos y como si esto fuera poco…llena de amor.

     

  • Una “Comida de…” muy diferente y bien servida

    Una “Comida de…” muy diferente y bien servida

    Basada en la tragedia griega, Hipólito (hijo de Teseo), del filosófo Eurípides, la escritora puertorriqueña, Desi Moreno-Penson nos trae esta tragicomedia, la cual tiene como telón de fondo El Bronx neoyorquino, en época actual y apoyando la fantasía de la misma en la santería, rito tan arraigado en la cuenca del Caribe (Cuba, Puerto Rico y la República Dominicana), donde desfilan deidades del panteón afrocaribeño tales como: Ochún, Changó, Obatalá, Oyá, Elegua, entre otros.

    En este triángulo amoroso compuesto por padre, hijo y madrastra la consabida trama de tantas tragedias griegas, según las propias palabras de su autora es de un estilo “gótico nuyorican”, y donde los actores amplían sus instintos emocionales, sin sacrificar sus propias costumbres en el tiempo que se lleva a cabo y al mismo tiempo, brindan las emociones en sus propios modos autóctonos, nunca sacrificando el contexto humano y básico que nos ofrece la obra de Eurípides.

    Lorca Peres

    La dirección de Lorca Peress, es fluida y sencilla, además de ajustarse perfectamente al contenido de la pieza de Moreno-Penson, y siempre anteponiendo el medio ambiente donde la trama tiene lugar y así como también las raíces de los caracteres que la componen. Roseanne Almanzar y Mariana Parma excelentes en sus papeles de Laluz y Rosalía respectivamente, pero esto no indica ningún menoscabo al resto del destacado elenco compuesto con mucha calidad por, Darlenis Durán, Gustavo Heredia, Alex R. Hernández, Marcos Sotomayor y en el tambor Lefrae Sci, quienes complementan esta estupenda pieza de una de nuestras dramaturgas del patio, Desi Moreno-Penson.

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    Comida de putas, es un juego de formas, cargado de emoción y acierto, donde además cabe enfatizar la breve intervención pero indispensable de Anita Vélez, quien nos ofrece un nostálgico trabajo de una abuela que desde el más allá se hace sentir en el más acá. Anita es un ícono viviente de dos siglos que la cámara acaricia en su aún eterna belleza a sus longevos 99 años.

    No debemos pasar por alto la participación de esta gran periodista televisiva que es Jane Vélez Mitchell, y donde interpretó a pedir de boca el personaje de una reportera. Muy buena labor, la realizada por todos los integrantes de la ficha técnica: luces, sonido, escenografía, vestuario y coreografía en la recreación de todos los elementos para lograr veracidad completa en la pieza.

     

  • El Apagón por Pregones y el TPR

    El Apagón por Pregones y el TPR

    Por Carlos Navedo.

    El apagón, de José Luis González. Adaptada para el teatro por: Alvan Colón Lespier, Jorge B. Merced y Rosalba Rolón.

    Con Jorge Merced y Flaco Navaja. Músicos, Jorge Castro, Desmar Guevara, Gabriel Lugo y Benjamín Willis. Música, Ricardo Pons y César Rodríguez. Escenografía, Brian Ireland. Vestuario, Henry Nadal. Luces, Lucrecia Briceño. Regidora de escena, Leyma López. Dirección, Rosalba Rolón, basada en la dirección de 1990, creada por el colectivo actoral del Teatro Pregones.

    Jorge Merced y Flaco Navaja en El Apagón.

    Obra con música basada en un incidente ocurrido en el tren subterráneo de nuestra ciudad, da lugar a esta pieza teatral del desaparecido y multifacético autor puertorriqueño José Luis González, (1926-1997).

    Farsa musical, muy bien armonizada, musicalizada y excelentemente actuada. El binomio de actores que componen su elenco, se funden en ella de tal manera, que tal parece que estuvieramos viviendo esa época pasada de ese Nueva York que tiende a desaparecer.

    Jorge B. Merced, con un historial muy sólido cómo actor y director, es una verdadera delicia en el escenario, en sus tres facetas en esta pieza: actor, intérprete y bailarín.

    Y que decir del joven actor Flaco Navaja. Nacido en el Bronx, llega a nuestro medio precedido de un largo historial en el medio norteamericano, haciendo su debut en el teatro en El apagón. Flaco Navaja, posee una gran presencia escénica así cómo una excelente tecitura musical y dotes de gran bailarín.

    Dos actores al máximo de su capacidad y que en algunos momentos en términos comparativos, nos hizo recordar un Don Quijote y un Sancho Panza muy “neoyorican”.

    El trabajo directriz recae en Rosalba Rolón, uno de los puntales del teatro Pregones y TPR y quien aquí pone de manifiesto sus dotes de gran directora.

    La escenografía de Brian Ireland, muy apegada a la realidad de un tiempo ya casi estinguido; y la música original verdederamente una delicia. Vale mencionar 4 temas emblemáticos al servicio de la producción:Usted, Ausencia, Angélica-Cielo Azul y Preciosa.

    Repetimos, todo un acierto de Pregones y TPR y de Rosalba Rolón que con este apagón lo iluminó todo desde la calle 47 hasta Times Square.

     

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  • Desde mi luneta: Un osito y… un Ladrón

    Por Carlos Navedo.

    DOS ESTRENOS: Un Osito  y… un Ladrón

    Edward Azcorra

    El osito manhattanero, original de Sonia Suárez Schwartz, adaptación de Edison Carrera. Con Edward Azcorra, Edison Carrea, William Pérez, James Bayona, Yanira Aparicio, Patrick Kuhnn y Gloria Ospina. Canciones Emyliano Santa Cruz. Coreografía, Patricio Kuhnn. Luces y sonido, Lyliana Barrera. Producción  de Tocando Puertas Inc., y Ángel Falls. Escenografía i dirección, Edison Carrera.

    Desde nuestra adolescencia nunca hemos sido fanáticos del teatro dirigido a la gente menuda, sin embargo con la producción de El osito manhattanero, ocurre algo diferente, debido a los mensajes de su contenido enfocado tanto a la gente menuda cómo la adulta.

    Una simple historia que narra la peripecias de un osezno, hastiado de su mundo del Polo Norte y quien desea emigrar a una gran urbe, en este caso Nueva York y cuya aventura migratoria no resulta del todo infortunada. La lecciones aprendidas durante su corta edad no son infructuosas.

    William Pérez, Yanira Aparicio y James Bayona quienes aparecen en su nuevo entorno, dan pie al desarrollo de la trama, cumpliendo correctamente con sus personajes infantiles. Edison Carrera en su triple papel, de adaptador, escenógrafo y actor –Papá Oso- nos brinda muy buenos resultados en sus tres tareas.

    Edison Carrera

    Edward Azcorra, es muy posible que nos ofrezca la mejor actuación que hasta ahora le hayamos visto. Llena, de ángel carisma y dramatismo. El texto la cubana Sonia Suárez Schwartz, aparentemente naive en su exterior nos resulta de gran profundidad en sus conceptos: cómo la conservación del medio ambiente, el amor y la compresión entre los seres humanos y la  paz universal.

    El osito manhattaero, es más que teatro infantil… una obra muy conceptual.

     

     

    The Virtuous Burglar, original del Premio Nobel de Literatura, Darío Fo. Con Caridad del Valle, Paul Montoya, Yvette Quintero, Ronald Sarcos, Johanna Ramírez, Aarón Jáquez y Oscar Zamora. Productor ejecutivo, Carlos Nieves. Coreografía, Oscar Manuel Salazar. Luz, sonido y vestuario, Lyliana Barrera . Dirección y coproducción, Emmanuel García Villavicencio.

    El escritor Darío Fo cuenta con innumerables obras de factura cómica y comprometida, sobresaliendo Misterio bufo de 1969, Muerte accidental de un anarquísta de 1970 e Historia de un tigre entre otras. En esta puesta que disfrutamos de sobremanera, El ladrón virtuoso, nos muestra que Fo es un autor con un estilo muy particular.

    Muy bien dirigida por Emmanuel García Villavicencio, es la primera producción en nuestra plaza del venezolano Carlos Nieves y estrenada en Roy Arias Studios de la calle 43 y octava avenida.

    Desarrollada en la década de los años 60, El ladrón virtuoso cuenta con un buen elenco, donde destacan Caridad del Valle, Yvette Quintero, Johanna Ramírez, nunca sin pasar por alto a Paul Montoya, Ronald Sarcos y Aarón Jáquez.

    Es algo difícil llevar una obra con sabor italiano, al idioma inglés y además con un elenco hispanoamericano. ¿No hubiera sido mejor hacerla en español? Pero bueno tenemos la promesa de la producción y la dirección que va a ser asi en los próximos meses.

    El  elenco sale airoso en su cometido, además de buena escenografía y vestuario. Enfatizamos en la calidad de la producción así como en el talento de  Caridad, Yvette y Johanna, quienes nos deleitan con gran  soltura y gracia. Repetimos que seria muy gratificante  ver este trabajo en español ya que iría más a la par del original en italiano.

     

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